莫瑞斯剧院共有三层，总计约1700个座位，在伦敦西区属于中大型剧院，更大的，有两千多人的，稍小的，四五百人的。大多数时候，很多剧院都有固定的驻场节目，即便不是《悲惨世界》《剧院魅影》那样一演十几二十年的大作，整年整年上演的作品却比比皆是。
如鲁迪的威斯剧院，走马灯似的上新戏，是比较少的。
此时一楼池座里的伊万·斯坦森，和他的老友霍华德，就在说及这个问题——对莫瑞斯剧院来说，这是一个梦幻的开局。但最终小莫瑞斯能否抓住机遇，《默》能够通过上佳的质量，将关注度转化为口碑和观众量，却依然不确定。
伊万是一位老评论家，但并不权威，因为他一直为中小型报纸撰稿，互联网时代也没有改变方式——他跟老莫瑞斯的关系不错。霍华德是一位电影影评人，影响力要广泛得多，这一次陪同伊万来看《默》，也有想要提前看看电影《默》故事核心的想法。
“小莫瑞斯比我想象中更能干。”伊万整理了一下发白的胡子：“老莫瑞斯是个特别保守的剧院经理，一生最大的愿望，就是做出一部《剧院魅影》级别的作品，并将之同莫瑞斯剧院一起，被历史铭记。”
“那他肯定想不到今天，他儿子找了一位能带来腥风血雨的亚洲大明星来主演作品，并且让整个西区，乃至伦敦、英国、欧洲都为之侧目。”
“哈哈，”伊万认同地大笑了几声：“老莫瑞斯连打广告都很不乐意，他觉得最好的戏剧一定能够打动观众，然后在漫长的岁月里积累口碑和声望，他认为这是必须的，也是一座剧院之所以伟大的原因。假如他还在，这一切都不可能发生。”
霍华德看了看天鹅绒的幕布，那并不是新的，仿佛还带着当年主人的骄矜。
“但如果今天还是他在管理剧院，也许就要考虑卖掉它了，毕竟老一套的思想已经完全落伍了——”霍华德顿了顿，突然恶趣味地又说了一句：“也许就会卖给中国人，毕竟，现在就属他们最有钱。”
“相对于剧院，他们也许更愿意买足球俱乐部。”伊万加了一句。
英国人现在已经能够非常平淡地讨论其他国家的强大了，毕竟，日不落帝国已经落了很久，早就适应了。
霍华德不再提这个话题，在电影领域，中国人的存在感还不是那么高，好几年来，季铭和他的《默》已经是最受关注的华语电影了，据他所知道的消息，以及《默》英国发行商的一些预热，这部华语电影很有可能会在一月份就会上市于欧洲上映，取得一个不错成绩，是大概率的——对于非英文电影来说。
而在近期的一系列热门新闻之后，霍华德认为影迷观众对《默》的兴趣，甚至已经超过很多英文作品了。
他也很期待看到这出电影——毕竟，他的一些朋友在威尼斯看过之后，都给出了极高的评价。
“你认为这部戏能够持续演下去么？”霍华德比较好奇地问伊万。
伊万摇摇头：“不确定。其实很多媒体都说这是一部中国音乐剧，那并不正确。除了主演和电影原作，它跟其它西区的音乐剧并没有什么大的差别。小莫瑞斯虽然跟他父亲不同，但并不是一个一无所知的败家子，这出音乐剧的质量应该是有保证的——但即便如此，能够在如此激烈的竞争里成为常青树，没有人能够确定。这么高的热度本身就是一把双刃剑。而且我有注意到，詹姆，詹姆·道森，对《默》的吹捧充斥着一种诡异感，他可不是个什么好东西。”
“你可以提醒一下小莫瑞斯。”
“如果他还需要我去提醒他，那他就死定了。”
霍华德失笑，他只是随口一说，因为来之前，伊万总是说他跟老莫瑞斯当年的交情——但显然，交情已经随风逝去，并不足以他为小莫瑞斯已经莫瑞斯剧院操更多心。
……
中文版和英文版其实有非常多的不同，因为本身国内音乐剧和国外音乐剧的风格就不一样。季铭在国内的演唱和舞蹈都要更隽永一些，从风格上来说，国内观众不会希望看到吵吵闹闹的《默》。但西区版幅度确实会更大一些，因为其它的合作演员，无论从动作还是演唱上，都更加松弛，戏剧感更明显，季铭当然需要吻合整体的风格。
特别值得一提的是和观众的互动。
国内观众可能看电影看电视剧更多一些，其实不是那么适应和演员大眼瞪小眼，会出戏。尤其是位置比较好的，演员一下跑过来了，对着你就唱“啊，你这个负心汉……”，或者“我要把刀子捅进你的心，看看流出的血是不是黑色……”，他们可能会受不了。但西区观众被培养的很好，很多时候你得站在前台，面对观众，尤其是唱的部分，口水喷到他们脸上最好。
舞台性更高。
基于这样的差别，从编曲作词，再到舞蹈编制上，其实都会不同，一如伊万说的，这就是典型的西区音乐剧制作产物。季铭本身也没有任何意愿要来给西方观众进行审美迭代，他只是做一出戏而已。
英文版的开头比中文版更长一些，它把前清交代放在了前面——杨鸣穿着一身白色睡衣，在满目昏白灯光里，讲述自己的梦想，自己经历的舞台事故，和那些在舞台事故中逝去的同事交流，表明自己多么希望重新站上舞台，重新为舞蹈事业心潮澎湃。他也展示了一些片段似的舞蹈动作，高难度的，优美的……力求让观众一开始就惊叹。
随着他一边唱着忧伤的“我的心在渐渐冷却，我的足底也变得冰凉，我的梦想啊你不要远去，不要远去……”，一边伏低在地面上，随着渐渐微弱的心跳声效，第一幕随之结束了。
第二幕就是杨鸣醒来，惊喜之下献上了激昂的歌唱，一步一步地找回动作和舞蹈的本能，接着回到了红星舞团，在万众瞩目里一日千里……
第二幕是非常容易让人感受到水准的一幕。如果说第一幕的演唱让人知道，啊，这个主演是个强大的歌者，那第二幕则毫无争议地展现了一个音乐剧演员的控制力。
情绪、角色、剧情在不同的曲子里，不同的声音演绎里，仿佛穿花蝴蝶一样，让人目不暇接。而同事，演员和舞台之间那种休戚与共的一致性，也被展现地极为紧密，这非常重要。纵然布景非常精良，但是说服观众现场就是故事里的场景，依然不是一件简单的事情，只有当演员把现场一起拉进表演里，拉进剧情里，这一切才会显得有说服力。
这就是他的房间，这就是红星舞团，这就是那个偏僻的练舞房，这就是阳光斜照下，杨鸣和艾琪旖旎缠绵的排练厅……舞台剧，舞台和剧真正融为一体，才是最佳的状态。
从第二幕转到第三幕之间，观众中有很多比较专业的人士，都意识到了这一点。
譬如伊万和霍华德。
“这位影帝先生，个人能力太强了。”伊万并没有说的特别详细，这不是在写剧评，霍华德对这一切也非常了然，并不需要他解释。
霍华德其实比伊万更为惊叹。
作为电影和舞台剧的双料评论人，其实有时候他难免会感叹，双方都有自己的优势，比如电影的多样视角，包括很多奇妙的剪辑，都是舞台剧所不能及的。而舞台剧拥有的那种面对面的力度，那种活生生在眼前上演的真实感，也是电影无法企及。他常常想，如果这种优势可以互相传递，那么对于戏剧发展来说，也许就是一个全新的时代了。
而眼前，他确实产生了一些这样的错觉。
季铭的情绪在空间范围内的渲染，他的形体动作对舞台的调用和展现，当然，还有整体性的将观众带入某种视觉错觉里，即忽视掉提醒他们这一切都是造景出来的破绽——至少在某种程度上。
伊万说的很多，这是一个拥有强大舞台统治力和戏剧表现力的伟大演员，凭一己之力，超越了演出媒介所固有的一些先天缺陷，这近乎于一种魔术了。
难以置信。
从第三幕开始，杨鸣从新生的勃勃生机里，渐渐意识到问题存在。
如果说第二幕以舞台表现力取胜，那么第三幕就是这出戏的剧情精华所在，就像一朵名为“不安”的花，在观众眼皮底下，从一颗种子，长成了遮天蔽日的黑色大丽花，一切都在为这种不安和挣扎服务。
而音乐和舞蹈，也展现了和第一幕、第二幕截然不同的风格和方向——让观众到现在为止，一个多小时，依然没有任何审美疲劳存在，反而一直有新鲜感在让他们保持专注力。
霍华德不自觉地开始想象起电影来，这一段剧情，在电影里配合着各式各样的视角、特写、明暗、构图，长短镜头，蒙太奇……啊，他不由叹息一声，几乎想一想，都觉得是个无与伦比的美妙享受。
制作者太聪明了，也对演员极为信任，这样的效果不会仅仅出现在霍华德一个人身上，因为他对电影更熟悉，所以会以电影的方式来深化剧情感受，然而如果另一个人对音乐，对演奏，对现实生活……等等更为有印象，那么同样会以他们潜意识里侧重的方式，来理解这些剧情，并与之共情。
在剧情传达上，《默》显然极为成功，而且手段高妙。
呼。。
霍华德觉得，如果最后一幕能保持水准，他愿意给它一个9分以上的超级高分——这是一个足以列入顶级音乐剧作品行列中的成绩。
他没有意识到自己在第四幕到来时，几乎有一种祈求的心理——不要烂尾，让我把这个9分打出去。